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Martes, 19 de octubre de 2021

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Evolución del cine independiente de hoy en día

Hubo un tiempo en que los teléfonos fijos eran el único medio de comunicación en la industria cinematográfica. No había organizaciones comerciales independientes ni divisiones especializadas de los estudios, la HBO acababa de nacer, la televisión por cable era un lujo, las máquinas de videocasete costaban entre quinientos y setecientos dólares, y las películas en lengua extranjera eran la principal fuente de cine alternativo. A finales de la década de 1970, algunas películas americanas alternativas, como Entre el tiempo y Tombuctú (Fred Barzyk, 1972), Coming Apart (Milton Moses Ginsberg, 1969) y Pink Flamingos (John Waters, 1972), empezaron a salir de las grietas y se proyectaron fuera del sistema.

Hubo un tiempo en que los teléfonos fijos eran el único medio de comunicación en la industria cinematográfica. No había organizaciones comerciales independientes ni divisiones especializadas de los estudios, la HBO acababa de nacer, la televisión por cable era un lujo, las máquinas de videocasete costaban entre quinientos y setecientos dólares, y las películas en lengua extranjera eran la principal fuente de cine alternativo. A finales de la década de 1970, algunas películas americanas alternativas, como Entre el tiempo y Tombuctú (Fred Barzyk, 1972), Coming Apart (Milton Moses Ginsberg, 1969) y Pink Flamingos (John Waters, 1972), empezaron a salir de las grietas y se proyectaron fuera del sistema.

Los lugares donde se proyectaban estas películas eran los ciclos de cine universitarios independientes, las clases de cine y las salas de cine de repertorio locales, que mezclarían algunas de las películas underground estadounidenses emergentes con las extranjeras y finalmente encabezarían la nueva ola cinematográfica estadounidense.

El primer evento organizado para mostrar estas películas en exclusiva tuvo lugar, precisamente, en Salt Lake City, Utah. En 1978, un mormón local, Sterling Von Wagam, y su compañera, Lori Smith, crearon un festival de cine dedicado exclusivamente a las películas realizadas en Estados Unidos fuera del sistema de estudios. Lo llamaron Festival de Cine de Estados Unidos. Las películas que encontraron para el primer año fueron The Whole Shootin' Match de Eagle Pennell, Joe y Maxi de Joel Gold, Girlfriends de Claudia Weill y Martin de George Romero.

¿Por qué había tan pocas películas disponibles para este festival pionero? El sistema de estudios había hecho increíblemente difícil que alguien pudiera hacer un largometraje fuera de los lotes de los estudios. Pero los obstáculos que puso el sistema de estudios en realidad sirvieron para dar forma al estilo y al contenido de las primeras películas independientes. Al no tener acceso a las instalaciones de los estudios y no tener que contratar mano de obra sindicalizada, los primeros cineastas independientes se vieron obligados a usar muchos sombreros en el proceso de realización. John Sayles, Jim Jarmusch, Joan Silver, Robert Young, Rob Nilsson y Gus Van Sant escribían, dirigían, editaban, llevaban las luces, manejaban la cámara y, a veces, actuaban. El dinero era escaso, y la falta de efectivo tuvo un gran efecto en las localizaciones, las acciones, los actores y el aspecto real de la película: la calidad granulada de 16 milímetros ampliada a 35 milímetros. No había dinero para los permisos de rodaje, así que los decorados de guerrilla eran la norma. Las cámaras elegidas eran las de 16 milímetros, ya que estaban disponibles en los campus universitarios o en las casas de empeño. Se contrataba a amigos y vecinos para los papeles principales; la casa de la familia o la ciudad local servían de escenario. Las tomas limitadas daban lugar a cambios sobre la marcha, y el guión se reescribía a menudo para ahorrar tiempo o cuando surgían nuevas oportunidades.

Las empresas de alquiler de equipos no querían hacer negocios con producciones improvisadas. Sólo había un laboratorio que tratara con esta nueva clase de cineastas como un artista creíble, DV-Art, con sede en la ciudad de Nueva York. Su propietario, Irwin Young, es el padrino del cine independiente de hoy en día: se arriesgó con esta nueva raza de artistas que fomentó las carreras de muchos de los primeros pioneros.

Este cine en el asiento de los pantalones creó estilos únicos que surgieron de las energías intensas y personales dedicadas a todos los aspectos del proceso, y de este caos a finales de los años setenta surgió una nueva raza de cine innovadora, diferente a todo lo que se había hecho antes en Estados Unidos: películas como Eraserhead (David Lynch, 1977), Northern Lights (John Hanson, Rob Nilsson, 1978), Return of the Secaucus 7 (John Sayles, 1980) y She's Gotta Have It (Spike Lee, 1986).

De repente, era una ciudad en auge. Había nuevas distribuidoras independientes -Atlantic Releasing, Island Alive, Circle Releasing, Samuel Goldwyn Company- que creaban nuevas salidas para estas películas. Los críticos empezaban a tomar nota; los estudios creaban divisiones de cine alternativo. Surgió una nueva raza de empresarios que querían vivir al margen del sistema de estudios. Estas empresas colaboraban con los cineastas, creando tácticas de marketing de guerrilla, proyectando las películas en cines poco fiables -independientes como las propias películas- y manteniendo la integridad de la visión del director en los planes de estreno.

UA Classics era la rama indie de la venerable United Artists, formada en su totalidad por personas menores de veinticinco años. Eran cinéfilos que habían salido de escuelas de cine universitarias, donde dirigían ciclos de cine. Esta unidad era la peor pesadilla del mundo de la distribución de la vieja escuela. Llevaban al mercado las habilidades que utilizaban para dirigir series de películas universitarias sin más. Lo hacían todo internamente, incluida la postproducción y la publicidad; hacían que sus amigos cineastas trabajaran con ellos en la creación de trailers; vendían las películas a casas de arte renegadas en lugar de a poderosas cadenas de cine. Fue el comienzo de grandes cambios en el sistema de la vieja escuela. Hollywood tomó nota. En 1982, la compañía indie Island Alive recibió el Oscar al mejor actor por William Hurt en El beso de la mujer araña (Héctor Babenco) y a la mejor actriz por Geraldine Page en Viaje a Bountiful (Peter Masterson). En total, durante la década de los 80 aparecieron y desaparecieron unas doscientas compañías independientes.

En los años 80, la tecnología empezó a tener una enorme influencia en el movimiento independiente. Los artistas que habían empezado su carrera con el Super 8 y el 16 milímetros, se pasaron al Super 16 milímetros. El truco siempre fue cómo ampliar estos formatos a 35 milímetros, que era el único formato que tenían los cines para proyectar películas en aquella época. Los laboratorios DV-Art (p. 581) fueron pioneros de nuevo. Si miras las ampliaciones de 16 milímetros a principios de los ochenta, apenas podías ver la imagen a través del grano de la impresión. El proceso mejoraba cada año.

Los videocasetes y el cable de pago surgieron como nuevas fuentes de ingresos para los estudios en la década de 1980. El sistema de estudios intentó mantener estos nuevos canales de distribución cerrados al movimiento indie. Los agentes de poder que controlaban estos mercados no estaban interesados en programar películas indie ni en venderlas en el mercado del vídeo. El mundo del vídeo era un mercado de masas, impulsado por las mercancías, y las distribuidoras no tenían interés en abrir salas de cine alternativas porque no creían que hubiera público para ellas.

Pero la aparición de películas centradas en el director que ganaban dinero empezó a hacer cambiar de opinión a la gente. El Padrino (1972), de Francis Ford Coppola, y Tiburón (1975), de Steven Spielberg, son películas con una visión artística y un estilo cinematográfico único realizadas por directores que se habían abierto camino en el sistema de estudios. Lo más importante es que las películas hicieron mucho dinero. Se abrieron las puertas.

Las grandes empresas, incluso las de Hollywood, no están contentas si no se llevan una parte del pastel, y así las cosas empezaron a cambiar en el mundo indie. A medida que se acercaban los años noventa, muchas de las empresas del boom habían quebrado. Habían crecido, y los empresarios y sus contables tomaron las riendas y empujaron a estas empresas indie a cotizar en bolsa, cambiando su estructura, haciéndolas más dependientes de las películas que daban grandes beneficios: las películas de estudio y también las de explotación. Si las películas fracasaban, la empresa podía quebrar fácilmente.

El Festival de Cine de Estados Unidos comenzó como el Woodstock del cine independiente. Los cineastas se reunían allí a finales de los años ochenta para intercambiar ideas y recomendar a personal no sindicado para que trabajara en las películas, mientras que los camarógrafos, montadores y otros profesionales sindicados se tomaban sus vacaciones para ir a este festival y ver en pantalla a algunas de las madres de la invención. De las conversaciones informales en la calle nacieron nuevas películas. Entonces ocurrió algo que, para bien o para mal, cambió el movimiento indie para siempre: el festival se trasladó a Park City, Utah, y la industria Sundance de Robert Redford quiso impulsar su marca en el mercado general, así que compró el Festival de Cine de Estados Unidos. Esto cambió la dinámica del festival, que se había convertido en el centro del mundo indie estadounidense. Mucha gente de Hollywood era propietaria de condominios en Park City, de modo que durante su primer año, gente desde Arnold Schwarzenegger hasta jefes de estudios y otros empresarios de Hollywood empezaron a invadir las calles del mundo indie. La máquina había empezado a abrirse camino en la corriente principal.

Los agentes de Hollywood acudían al festival para fichar a nuevos talentos. Algunos directores indie empezaron a aspirar a entrar en Hollywood, y una película de bajo presupuesto aceptada para ser proyectada en Sundance les ayudaría a pasar al siguiente nivel en la cadena alimentaria de los estudios. Christopher Guest es quien mejor cuenta esta historia en su película The Big Picture (1989): una historia sobre un joven director de cine idealista que gana un concurso de cortometrajes y es engullido por Hollywood y escupido de nuevo. No todos los cineastas se dejaban seducir por los titulares del festival, que rápidamente se convirtió en un mercado comercial, donde el dinero y los acuerdos de distribución pasaron a ser más importantes que el hecho de recibir honores por la realización de películas. En muchos casos, el éxito en Sundance se convirtió en la invitación a los sueños de Hollywood. Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989) puso a Steven Soderberg en la vía rápida hacia la tierra de los estudios. Cada vez más personas siguieron los pasos de Soderberg. Los años ochenta llegaron a su fin.

El cine independiente seguía enfrentándose a muchos de los mismos retos. Los empleados sindicalizados seguían sin poder trabajar en producciones independientes. Algunos técnicos no sindicados se trasladaron como trabajadores emigrantes de un cine independiente a otro. Las ampliaciones tenían mejor aspecto. Poco a poco, los mercados auxiliares fueron dejando pasar las películas por la rendija de la puerta. Aun así, los dólares del vídeo y del cable (p. 582) para esas películas eran pésimos en comparación con su potencial. Y el estilo único que tenía cada película en los años ochenta empezó a ajustarse a lo que se estaba convirtiendo rápidamente en un género, la película indie.

En 1990 sólo quedaba una división de estudios especializados, Orion Classics. Pero en 1991, su empresa matriz quebró, y la puerta se cerró definitivamente para los empresarios de los ochenta. La mayoría de su personal empezó a ser absorbido por los estudios o encontró otras líneas de trabajo.

Los acontecimientos se pusieron en marcha para cambiar el mundo indie. Sólo unas pocas empresas indie sobrevivieron al ataque de los estudios -Samuel Goldwin Co., New Yorker Films, Miramax-, pero éstas estaban contra las cuerdas. Sony, bajo el mando de Peter Guber, decidió resucitar una división especializada de los estudios, y la gente de Orion Classics se acercó. La primera película que estrenaron fue Howard's End (1992), producida por Ismail Merchant y dirigida por James Ivory. La película hizo 25 millones de dólares en taquilla (una gran cifra en aquella época), y las máquinas del estudio olieron el dinero. Al año siguiente, Disney compró lo que quedaba de Miramax, y Universal creó una empresa conjunta con Polygram Records para formar Gramercy Pictures. El juego estaba de nuevo en marcha para los indies.

En esta época se produjo uno de los acontecimientos más importantes que afectaron al movimiento indie. Los estudios estaban reteniendo producciones en la ciudad de Nueva York para intentar romper la petición del sindicato de aumentos salariales. Muchos de los trabajadores de base estaban desesperados por cobrar, y los sindicatos artesanales llegaron a un acuerdo con los indies para mantener a sus miembros, aunque eso significara trabajar por menos dinero. El "Contrato de la Costa Este" redujo los salarios de las películas. Esto cambió el mundo indie para siempre. Ahora casi cualquiera que tuviera dinero podía hacer una película con los valores de producción de un estudio, creada por las tecnologías de un estudio.

Los actores de renombre se sintieron más seguros a la hora de arriesgarse con películas independientes, ya que tenían la seguridad de que los valores de producción eran de calidad. El dinero de los estudios y los inversores privados se hicieron más accesibles. El alquiler de equipos era más fácil con gente del sistema dirigiendo las películas. Las compañías de bonos se involucraron. El mundo indie se convirtió en "la película de estudio fuera de serie". Ahora un director de estudio o de televisión podía intentar reavivar una carrera sin los obstáculos que formaban parte de la escena independiente de los ochenta.

Los agentes empezaron a trasladar a los talentos que necesitaban un impulso en su carrera a las películas indie por tarifas baratas. Esto, a su vez, llamó la atención de los jefes de la Academia. Con estrellas de renombre, las películas independientes se adentraron aún más en la corriente principal. Los nombres reconocidos en las películas crearon un mayor valor en los mercados auxiliares. El cable y el vídeo podían generar más ingresos. Los Óscar empezaron a reconocer varias películas indie cada año. Howard's End ganó el premio a la mejor actriz para Emma Thompson, a la mejor dirección artística y al mejor guión. Sundance se convirtió en el mercado no oficial para vender películas indie por montones de dinero y luego integrar a los directores en el sistema de estudios.

Los años noventa se convirtieron en la década de las divisiones especializadas de los estudios. La mayoría de las empresas independientes habían sido expulsadas del mercado. Surgieron redes de cable como Bravo, dedicadas a productos especializados. HBO incluyó películas indie en sus acuerdos con los estudios y sus divisiones especializadas: Fox Searchlight, Warner Independent Pictures, Lion's Gate y Paramount Classics se unieron a Sony Pictures Classics como ramas "independientes" de los grandes estudios. Como se ha mencionado, Bob y Harvey Weinstein vendieron Miramax a Disney y han formado su propia productora. El paso constante del cine al vídeo de alta definición ha facilitado y abaratado la producción sin sacrificar la calidad visual. La propia producción cinematográfica está en proceso de entrar y salir del mundo online, donde las empresas cinematográficas buscan ahora nuevos talentos. Puede que el mundo indie esté capturado por la maquinaria de los estudios, pero el espíritu del cine independiente permanece.

Fuentes: 

https://www.oxfordhandbooks.com/view/10.1093/oxfordhb/9780195175967.001.0001/oxfordhb-9780195175967-appendix-1

https://filmsense.eu/

https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_independiente

 

Género al que pertenece la obra: Literatura digital
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